Делай то, что нравится: геймдизайн по Тиму Шейферу

Тим Шейфер начал свой путь в индустрии еще в 80-х годах и отдал ей более 30 лет жизни. Он стоял у руля лучших проектов LucasArts, а позже основал собственную студию Double Fine Productions. Игры Шейфера почти всегда построены вокруг странного сюжета, своеобразного юмора, необычных персонажей и запоминающихся сцен.

В этом тексте мы разберёмся, как геймдизайнеру и сценаристу удаётся создавать такие странные и вместе с тем притягательные игры — откуда он берёт идеи, какими принципами руководствуется и какой опыт вынес из долгих лет творчества.

Автор: Владимир Шумилов

The Secret of Monkey Island

Тима Шейфера взяли в LucasArts на должность сценариста и программиста в 1990 году, когда студия работала над The Secret of Monkey Island. Геймдиректор игры Рон Гилберт собирался создать серьёзную пиратскую адвенчуру, но Шейфер вместе с дизайнером Дэйвом Гроссманом решили добавить в проект юмора.

Изначально главного героя игры Гайбраша Трипвуда звали просто Guy. Когда Джордж Лукас увидел наброски сценария проекта, он посоветовал Гилберту глубже проработать протагониста. Имя героя в итоге появилось из отсылки к юмористическим романам Пелама Гренвилла Вудхауса.

Как только персонаж обрёл полноценное имя, настроение игры сместилось в сторону ироничной комедии, в которой игрок сталкивался со словесными пиратскими дуэлями и трёхголовыми обезьянами.

«Я думаю, комедия в играх заключается в том, чтобы дать инструменты для создания этой самой комедии в руки игроку и заставить его чувствовать себя комиком. Людям это нравилось в Monkey Island. У Гайбраша на всё были хитроумные ответы, и игрокам казалось, будто они их сами придумали.» Источник

Разработчики вдохновлялись ранними сезонами «Симпсонов»: вместе смотрели серии по телевизору и пытались перенять настроение мультсериала. Шейфер вдохновлялся сатирическими работами Курта Воннегута, книгой Дугласа Адамса «Автостопом по галактике», скетчами комик-группы «Монти Пайтон» и юмором телеведущего Дэвида Леттермана.

Шейфер писал диалоги, Гроссман их вычитывал, а потом они отправляли материал Рону Гилберту и смотрели, понравится ли ему. Сценаристы вдохновляли друг друга и весело проводили время, что положительно сказалось на результате.

«Я писал диалоги для каннибалов и подумал: «Я же не знаю, что делать. Что мне с ними сделать?». И тут Рон такой: «Может они и каннибалы, но они реально заботятся о своем здоровье». Моя семья проходила через подобное, когда все сели на диету, так что я просто использовал семейный разговор про красное мясо и запихал всё в диалог каннибалов. Вдохновение приходит из самых разных мест.»
Источник

Шейфер сравнивает игру с тематическими парками аттракционов, в которых люди теряются в мире фантазий. Главным вдохновением для разработчиков был Диснейленд в целом и аттракцион «Пираты Карибского Моря» в частности. Этот аттракцион предлагал посетителю парка не обычную поездку на американских горках, а целое путешествие с сюжетом и атмосферой пиратского приключения. Игрок, запустивший The Secret of Monkey Island, должен был испытать примерно те же эмоции.

Одной из главных целей Шейфера и его команды было создание необычных решений для головоломок. Разработчики хотели, чтобы у каждой сложной загадки всегда был очевидный вариант решения, который бы обязательно не работал. Шейфер давал игрокам гвоздь и молоток, чтобы его забить, — только вот молоток был резиновым, и игроку приходилось мыслить нестандартно для решения задачи.

«Ты складываешь эти маленькие сюжетные камешки в пруд в надежде, что кто-то будет прыгать по ним от одного к другому, но иногда игрок просто не видит их. Ты кладёшь камень прямо перед игроком. Ставишь перед ним указательный знак, но игрок всё равно его не видит. Он застрял и начинает ненавидеть игру. Постепенно он становится всё злее и злее. Одна надежда на то, что он — не игровой критик, ведь в ином случае — вы проиграли. Чтобы решить эту проблему, другой персонаж должен сказать: «Вот тут лежит камень», а игрок такой: «Ну, окей». Но, убрав эту путаницу, вы потеряете часть фана. В том, чтобы просто выполнить последовательность действий, веселья нет. Смысл квестов — в весёлой неразберихе. Если вы сразу выдадите ответ, вы отберёте у игрока фан.»
Источник

Благодаря успеху The Secret of Monkey Island Шейфер и Гилберт заручились доверием начальства. Команда тут же принялась за создание сиквела — Monkey Island 2: LeChuck's Revenge, который в итоге превзошёл успех оригинала. В разработке следующих частей Шейфер участия не принимал, однако положительно отзывался о третьей, как и о Tales from the Monkey Island от Telltale Games.

Сам Шейфер считает, что первые две игры серии вышли настолько успешными благодаря тому, что разработчики в процессе их создания получали искреннее удовольствие.

Day of the Tentacle

Вторым проектом Шейфера в стенах игрового подразделения LucasArts стала Day of the Tentacle — своеобразное продолжение Maniac Mansion. Героем игры был один из персонажей игры-предшественницы, которому нужно было вызволить живое разумное щупальце из лаборатории безумного учёного. В этот раз Тим Шейфер стоял во главе разработки, а также одновременно занимался программированием и писал сценарий.

«Работая над ранними квестами LucasArts, я писал несерьёзные вещи, думая, что в игру они не попадут. Например: «Оглянись, это трёхголовая обезьяна!». Мне это казалось дико глупым, и я считал, что это нужно вырезать. Потом приходил Рон Гилберт, читал текст, и говорил что-то вроде: «Нет, это должно остаться в игре». Именно тогда я понял, что самые плохие идеи зачастую — лучшие, и что не надо заниматься самоцензурой. Иногда именно вы — ваш самый сильный критик, и если вы зарубите идеи до того, как они выйдут в мир, вы так и не узнаете, были они хороши или нет.»
Источник

В Day of the Tentacle была прорывная для начала девяностых годов особенность — все диалоги в ней были полностью озвучены. Озвучкой занимались в том числе и непрофессиональные актёры, среди которых была родная сестра Шейфера.

«Озвучка всегда делает игру богаче, но при работе над Day of the Tentacle мы не волновались о подобных вещах до самого конца. Может быть, это особенности работы в небольшой студии, а может это времена полегче были, но… кранчей у нас тогда не было. Мы почти закончили игру и только тогда решили добавить голоса. Для того, чтобы их добавить, требовался год работы. Ну, мы просто взяли и сделали всё за шесть месяцев».
Источник

В ходе разработки менеджеры студии попросили Шейфера сделать основных персонажей игры «более героическими». Забавные герои из Day of the Tentacle шли вразрез с популярными на тот момент образами.

«Мне кажется, эти персонажи нам нравились потому, что мы видели в них себя. Они часто смеялись над собой — и это, скорее всего, пришлось по вкусу не всем.

Я подумал, что людям, наверное, хочется сыграть во что-то, что отличается от обычной жизни; за кого-то, кто «круче» них. Так ко мне пришла идея Full Throttle: «Я хочу быть байкером, я хочу вести за собой целую байкерскую банду, я хочу выносить двери с ноги».
Источник

Full Throttle

Full Throttle была первым полностью авторским проектом Шейфера. Тим вдохновился однажды услышанным рассказом путешественника о баре на Аляске, в котором собирались байкеры. Окончательно идея оформилась после того, как Шейфер прочитал книгу Хантера Томпсона «Ангелы Ада». Добавив ко всему этому атмосферу второго «Безумного Макса» и «Телохранителя» Куросавы, геймдизайнер определился с необходимым настроением для будущей истории.

«Мы старались делать кат-сцены короче. Я был вдохновлён повествованием Half-Life, в которой разработчики рассказывали микро-истории. Ты поднимаешься по лестнице и слышишь крики, а затем — выстрелы. И думаешь: «Что происходит?» Ты высовываешься из-за угла и видишь мёртвого пришельца, а также раненого охранника, который ползёт к аптечке. И сразу всё понятно. Его атаковали, и он пристрелил пришельца, а потом попытался добраться до аптечки, но погиб в процессе. Это маленькая история, на которую ты натыкаешься в процессе прохождения игры. При этом в сцене не было ни одного диалога. Они даже кат-сцену не стали делать! Разработчики просто использовали уже готовые ассеты и показали их с интересной стороны».
Источник

В сценарии Шейфер никогда не употреблял местоимений «ты» или «вы», и всегда указывал имя главного героя игры. Ведь игрок управлял не безликим аватаром, а уже сформированным героем, со своим характером, личными качествами и вредными привычками.

«Мы вкладывались в мотивацию персонажа. В любой хорошей книге или фильме зрители должны разделять мотивацию протагониста; хотеть того же, чего хочет главный герой. Если мотивация прописана хорошо — тебя ждёт успех. То же самое и с играми. Если мотивация игрока и мотивация персонажа совпадают, то они будут делать одно и то же. Но если они расходятся, это может быть ещё интереснее.»
Источник

Во время работы над сценарием Full Throttle Шейфер столкнулся с нехваткой теоретических знаний и начал учиться драматургии — он читал книги сценариста Сида Филда и смотрел классическое кино.

После выхода игра столкнулась с волной критики из-за её низкой продолжительности. Шейфер был сосредоточен на создании насыщенного, дорогого, кинематографичного повествования, — и из-за этого ему пришлось пожертвовать хронометражем.

«В интернете на нас обрушился шквал критики. Но потом вышла Prince of Persia, и мы поняли, что восемь часов игры — это нормально. Тогда игроки злились на Prince of Persia, а в наши дни многие игры длятся по восемь часов. Мне кажется, что люди слишком зациклены на деньгах, которые тратят. Иногда шестичасовая игра вполне стоит свои 15 долларов — например, Limbo. Многие говорят о том, что она короткая, но никто не жалуется на это. Она отлично сделана — и никто не возражает.» Источник

В Full Throttle герой мог сам выбирать, как решать головоломки — думать головой или использовать грубую силу. При разработке Шейфер и команда опирались на другой квест LucasArts — Indiana Jones and the Fate of Atlantis. В нём была реализована похожая система выбора способа решения проблем, однако Тим хотел улучшить эту концепцию. Решения в Full Throttle прямо отражались на геймплее — когда игрок выбирал грубую силу, типичные для квестов загадки сменялись драками и гонками на мотоциклах.

«Геймплей, графика, аудио и история — это лишь инструменты. Конечная цель для меня — доставить человека в выдуманный мир и удерживать его там как можно дольше. Потому что я это сам люблю: просто попасть в выдуманный мир, погрузиться в него и не хотеть оттуда выходить. А потом скучать по нему, когда ты всё-таки выходишь».

«Я думаю, что затянуть в вымышленный мир и заставить игрока чувствовать себя вовлечённым способен не только геймплей, но и сюжет. Если тебе просто нравятся персонажи, ты тоже чувствуешь вовлечённость. Иногда атмосфера игры заставляет тебя бесконечно проводить в ней время. Но если, например, геймплей плох, ты не задержишься в игре надолго.»
Источник

Интерес к жанру point-and-click в девяностых постепенно стихал, однако Full Throttle всё-таки удалось «выстрелить» — она стала первой игрой Шейфера, которая продалась миллионным тиражом почти на старте. Не в последнюю очередь — благодаря истории и колоритным персонажам, которых на этот раз озвучили профессиональные актёры, а не разработчики студии LucasArts или их родственники.

Grim Fandango

В новом проекте Шейфер решил кардинально сменить сеттинг, героев и тон истории.

При создании концепции Шейфер вдохновлялся романами Рэймонда Чандлера, а также нуарными фильмами «Риф Ларго», «В порту», «Мальтийский сокол», «Касабланка» и «Третий человек».

«Когда мы начали работу над игрой, в городе проходил фестиваль нуарного кино. Это было странное совпадение: я тогда посмотрел все фильмы, что там показывали. Мне кажется, из каждого я что-то почерпнул. Например, в фильме «Гильда» (1946), был персонаж, который всегда ставил на число «2» и выигрывал. Ну, я его и позаимствовал для игры.»
Источник

При этом Шейфер не хотел следовать клише. Именно поэтому он решил сделать главного героя игры туристическим агентом, а не типичным для жанра «нуар» детективом.

Помимо нуара, Тим вдохновлялся мексиканским фольклором и атрибутикой Дня мертвых. Поначалу он сомневался, стоит ли делать игру полностью трёхмерной, — ведь графика в те годы была нелепой и угловатой.

Однако когда он решил, что действие игры будет происходить в мире мёртвых из ацтекской мифологии, сомнения развеялись сами собой — резкие примитивные фигуры теперь работали на эстетику. В Мексике кукол для Дня мёртвых делали из пустых картонных коробок и папье-маше: это отлично сочеталось с возможностями 3D тех лет.

«Как-то я увидел иллюстрации в книжке: на одной из них был изображён скелет-дантист, который вырывал зуб у пациента. Ещё там была скелет-медсестра, скелет в медицинском кресле, а также ребёнок-скелет и его скелеты-родители. Собери их всех вместе — и будет целый город скелетов. И я захотел попасть в такой город! Я пытался понять, что бы главный герой-скелет мог там делать? Что в этом мире вообще происходило?»
Источник

Производство игры длилось три года и стоило немало денег, которые в итоге даже не отбились — не в последнюю очередь из-за спада интереса к квестам. Сам Шейфер, к слову, заявлял, что прекрасно понимает претензии к жанру.

В квестах часто возникают длительные паузы в повествовании. В эти моменты игроков активно заставляют разгадывать сложные головоломки, решить которые могут далеко не все. Причём зачастую дело вовсе не в сложности, а в том, что игрокам просто становится скучно, и они не возвращаются в игру. Шейфер считает, что такие сегменты нужно стараться делать более увлекательными.

Psychonauts

В 2000 году Тим ушел из LucasArts и основал свою собственную студию — Double Fine Productions. Но первая игра студии вышла только в 2005 году из-за проблемной разработки и дрязг с издателем.

В центре повествования на этот раз оказался мальчик с телепатическими способностями по имени Раз. Герой мог попадать в разум других персонажей, а их подсознание представало перед игроками в виде игровых уровней.

В Psychonauts Шейфер решил сосредоточиться на повествовании через окружение. Уровни в игре отражали эмоциональное состояние героев, их предысторию и все травмы, которые пережили персонажи. Оформление каждой локации зависело от характера героя, в разум которого попадал протагонист.

Например, один из уровней представлял из себя бесконечную дискотеку. Пройдя все испытания, игрок узнавал, что дети героини погибли во время пожара, а она изо всех сил старается заглушить вину. На этот эпизод Тима Шейфера вдохновили книги Курта Воннегута «Бойня №5» и «Колыбель для кошки», а также воспоминания из детства. По мнению Шейфера, благодаря интерактивности, игрок вовлекался в историю второстепенных персонажей активнее, чем в случае с книгами или кино.

«Игры всегда немного «ближе» к нам, чем кино. Вы взаимодействуете с ними напрямую. Некоторые игры похожи на аттракцион «Дом с привидениями» в Диснейленде, где вы едете по рельсам и просто смотрите по сторонам. Это больше похоже на тир. Я думаю, что игры, над которыми я работаю, — это настоящие дома с привидениями. Те, к которым ходят на Хэллоуин.»
Источник

Если при создании Grim Fandango Шейфер отталкивался от фольклора, то при создании Psychonauts он обратился к университетским воспоминаниям об изучении снов. По убеждению геймдизайнера, именно во снах в полной мере отражаются человеческие тревоги, боль и опыт. В новой игре Шейфер решил построить вокруг этой идеи не только повествование и визуальную часть, но и сам геймплей.

«У нас был персонаж, одержимый чёрным вельветом. Когда ты отправляешься в его мир, он весь сделан из этого материала. Это в корне отличается от мира другого персонажа, помешанного на теории заговоров. Его разум похож на паутину улиц, расходящуюся по сторонам от его дома. Таким образом, уровень отражает его личность.»
Источник

Psychonauts получила восторженные отзывы критиков и неплохо продалась, но её создание почти обанкротило Double Fine. Шейфер даже посоветовал разработчикам использовать компьютеры студии для того, чтобы найти себе новую работу, пока компанию окончательно не закрыли. В такой обстановке студия начала разработку следующей игры — самой амбициозной из всех за авторством Тима Шейфера.

В этот раз геймдизайнер решил поэкспериментировать с жанром RTS, однако издающая игру Electronic Arts настояла, чтобы в игре были экшен и открытый мир — компания опасалась, что чистокровная RTS не заработает денег на западном рынке. В итоге Шейферу пришлось выкручиваться и смешивать жанры.

«Я обескуражен тем, что современные разработчики не пробуют новое. Да, у инди возможности как никогда велики, но большинство популярных игр сделаны на основе старых формул десятилетней давности. Даже Йоко Таро, создатель Nier, недавно говорил, что 3D-экшены не изменились с 1998 года. Со времен Ocarina of Time или оригинальной Devil May Cry.»
Источник

Концепцию Brutal Legend Шейфер вынашивал долгие годы, ещё с 80-х. В игре он решил воплотить всё, что любил в тяжёлой музыке.

Однажды на концерте Megadeth Шейфер познакомился с работником сцены по имени Тони. Он так запал геймдизайнеру в душу, что тому сразу захотелось сделать про Тони игру. Шейфер задумался о том, что гастрольные механики никогда не получают славы и аплодисментов, хотя именно благодаря им шоу проходят как задумано. Тогда идея отправилась в долгий ящик, но в итоге привела к началу работы над Brutal Legend, а образ Тони лёг в основу персонажа Эдди Риггза, которого сыграл Джек Блэк.

Также Шейфер вдохновлялся игрой Herzog Zwei с приставки Sega Genesis. Ему понравилась идея того, что главный герой всегда присутствовал на поле сражения, фактически заменяя собой курсор. Похожий геймплей он хотел реализовать в Brutal Legend.

Помимо этого, Шейфера привлекал сюжет третьих «Зловещих мертвецов»: герой из современности попадает в далёкое прошлое и использует свои знания, чтобы выжить и победить врагов. Так родилась завязка сюжета.

Центральная же идея заключалась в том, чтобы создать целый мир, будто сошедший с обложек метал-альбомов. Чтобы любой поклонник жанра взглянул на скриншоты и сказал: «Я знаю это место. Я всегда мечтал там побывать»

«Я понял, что могу всё это соединить в одной игре. Всех этих демонов и все те вещи, которые можно было бы встретить в таком мире [с обложек рок-альбомов]. И чтобы всё это было похоже на мир, показанный в третьих «Зловещих Мертвецах». И при этом в формате RTS.»
Источник

В Brutal Legend сочетались множество идей и концепций. В ней уживались гонки, cтратегия в реальном времени, экшен, простой симулятор игры на гитаре. Шейфер написал для игры более 35 тысяч строк диалогов и создал более сотни персонажей. В итоге Brutal Legend даже можно назвать избыточной: её контента хватило бы на три проекта поменьше.

«Когда играю в [Brutal Legend], я постоянно удивляюсь. Даже несмотря на то, что я всё это написал и знаю, как это запрограммировано. Я помню, что будет происходить дальше. Но я всё равно смеюсь, потому что один из персонажей сказал что-то забавное, когда я этого не ждал».
Источник

Amnesia Fortnight

После скудных продаж и отмены сиквела Brutal Legend, Тим разделил Double Fine Productions на несколько команд, каждая из которых занялась созданием собственного геймплейного прототипа. Суть эксперимента была в поиске свежих, простых, но незатасканных игровых механик, которые будут долго удерживать игрока.

Эксперимент получил название Amnesia Fortnight: в ходе него каждой команде давалось всего две недели на создание прототипа. В результате на свет появились новые игры студии, ориентированные в первую очередь на геймплей: Costume Quest, Stacking, Iron Brigade, Middle Manager of Justice и др.

«За эти 17 лет мне пришлось научиться смотреть на игру как на совокупность систем. В 90-х я делал квесты, которые были одинаковыми для каждого игрока: люди решали головоломки, находили секреты и перемещались в новые места. Когда мы стали делать экшены и платформеры, мне пришлось перестраиваться. Так что вернуться к линейной игре было даже своего рода облегчением».

«Я снова попытался рассказать хорошую историю и дать игроку наблюдать за ней, вместо того чтобы дать ему инструменты и позволить писать собственную историю, как это делают многие другие игры».
Источник

Создавая Broken Age, Тим Шейфер отказался от помощи издателей, с которыми неоднократно конфликтовал, и обратился к краудфандингу. Broken Age собрала рекордную сумму и стала одним из первых крупных успешных проектов на Kickstarter.

В Broken Age геймдизайнер решил в очередной раз поэкспериментировать и поработать в несвойственной для себя манере.

«Это была личная цель, потому что я всегда делаю очень длинные открывающие заставки, как в Brütal Legend или Full Throttle. И я решил, что надо от этого избавиться и написать короткую заставку. В Broken Age её вообще нет, там просто два персонажа выходят на сцену, занимают места, поднимается занавес, и игра начинается.

С другой стороны, некоторые игры отлично вплетают заставки прямо в игру. Например, The Last of Us: ты бежишь куда-то, делаешь что-то, а потом начинается заставка, и ты не можешь понять, управляешь ты ещё игрой или нет. В некоторых играх можно частично контролировать заставки: например, крутить камерой. В общем, есть разные приёмы, которые сглаживают границы между интерактивной частью игры и заставками.» Источник

В процессе разработки у студии закончились собранные деньги, и Шейфер принял нелёгкое решение разделить проект пополам. Второй акт Broken Age должен был выйти намного позже первого, а доделывали его разработчики уже за свой счёт. Некоторые бэкеры были недовольны, однако другого способа закончить игру у команды не было.

«Она [Broken Age] не воспринимается как эпизодическая игра. Поначалу я был против, потому что мне казалось, что это сильно собьёт ритм истории. Но единственной альтернативой было сократить весь сценарий игры, чтобы хватило бюджета. Я решил, что важнее рассказать историю Broken Age целиком, так что мы вложили собственные деньги. Я ни о чём не жалею — игра получилась такой, как я хотел. Да, её непросто было разбить на две части, но это было временным решением. Теперь это цельная и законченная история, люди могут проходить её от начала до конца».
Источник

Проект выделялся необычным визуальным стилем: персонажи были похожи одновременно на героев иллюстраций из детских книг и кукол ручной работы. Разработчики точь-в-точь перенесли визуальный стиль концепт-художника Broken Age из 2D в 3D.

«Всегда можно сделать иначе, но тогда это будет другая игра. Визуальный стиль был у меня в голове с самого начала. Мне хотелось сделать 2D-игру, чтобы она точно отразила стиль нашего художника Нейтана Стэпли».
Источник

Также игра выделялась на фоне предшественниц благодаря серьёзным сценам и драматичным эпизодам. В Broken Age был юмор, однако он был лёгким, практически без фирменной шейферовской иронии.

«Тут много всего смешного: говорящая ложка, парень в костюме волка и другие мелочи — мне кажется, даже Brütal Legend посерьёзнее. В старых играх у нас было меньше искренности. Но она есть в Grim Fandango. В Broken Age похожий баланс серьёзного и весёлого.»
Источник

Шейфер верит, что жанр квестов или «адвенчур» можно освежить, модернизировать и использовать этот опыт в современных проектах. В качестве примера он приводит одну из своих любимых игр, японскую Zack & Wiki: Quest for Barbaros' Treasure, Wii-эксклюзив от Capcom 2007 года. В ней квестовая механика плотно смешалась с платформингом и motion-управлением, что освежало геймплей. К подобному эффекту Тим стремится и в сиквеле Psychonauts.

Сам Шейфер — заядлый геймер. Он играет во все новинки и старается держать руку на пульсе индустрии, не упуская ничего интересного. Он неоднократно заявлял, что хороший разработчик должен много играть в видеоигры и быть в курсе всего, что происходит в индустрии. А разработчикам, которые не играют в чужие игры, Шейфер советовал менять род деятельности. По мнению геймдизайнера, создатель игр должен в первую очередь думать как игрок, а уже потом — как разработчик.

«Я всегда хотел пробовать что-то новое и постоянно экспериментировать. Сейчас я большую часть времени работаю над сценарием Psychonauts 2, либо руковожу командой и помогаю кому-то с его проектом. Но я всё ещё люблю провести немного времени за исследованиями, просто пробуя новые идеи». Источник

Создание необычных, уникальных миров, которые вызывают особые эмоции и показывают харизматичных персонажей, — это и есть геймдизайнерский стиль Тима Шейфера. Он собирает идеи из всего, что любит сам, «варит» их у себя в голове (иногда годами или даже десятилетиями) и пытается передать игрокам интересные ему эмоции. Именно это делает его творцом, непохожим на остальных, а проекты Double Fine — одними из самых ярких на рынке.

«Я пришёл в геймдизайн из сценарного дела и программирования, так что я всегда считал так: чтобы писать хорошие диалоги к игре, нужно быть программистом и знать, как вплести диалог в игру. Мне кажется, это стоит попробовать каждому: это помогает понять, как язык используется в играх, что можно и нельзя говорить, какие тут могут быть проблемы. Но главное, что должен уметь геймдизайнер, — играть в множество игр и сопереживать. Сопереживать игроку, уметь поставить себя на его место и представить, что он думает, когда играет в твою игру. Важнее этого нет ничего».
Источник